Inaugurato il 20 febbraio scorso, l’evento ha presentato circa centocinquanta opere di arte giapponese, tra il Seicento e l’Ottocento. Sono esposti i più importanti maestri dell’ukiyoe, oltre 30 artisti, a partire dalle prime scuole seicentesche. La tecnica dell’ukiyoe, importata dalla Cina, implementò infatti la diffusione di immagini e libri, permettendo una considerevole produzione in serie. Da qui la divulgazione di stampe che rappresentò un vero e proprio florido mercato.

La grande novità dell’ukiyoe erano i soggetti, completamente diversi dalla grande pittura parietale aristocratica al servizio dei potenti e dalle scuole classiche di Kyoto. In questo senso l’ukiyoe è una testimonianza diretta della società giapponese del tempo, degli usi e dei costumi, delle mode da indossare e dei luoghi naturali.  

L’esposizione racconta anche dell’arrivo in Giappone e della passione per il collezionismo di due grandi viaggiatori italiani, Edoardo Chiossone (1833-1898) e Vincenzo Ragusa (1841-1927), entrambi vissuti nel Paese del Sol Levante, in un periodo in cui il Giappone si apriva per la prima volta agli stranieri.

Sette sezioni accompagnano il pubblico alla scoperta degli aspetti molteplici dell’ukiyoe: la musica, la danza, la ritrattistica di attori, la rappresentazione della bellezza femminile, i giochi, i passatempi, le località celebri dentro la città.

La mostra dunque, visitabile per qualche altro giorno ancora, ci presenta un ritratto culturale del Giappone tra Seicento e Ottocento, testimoniando lo scambio artistico tra i due paesi e facendoci riflettere su una influenza mai cessata che ci pervade oggi più di ieri e che ha profondamente trasformato il nostro vivere contemporaneo.

https://www.museodiroma.it/it/mostra-evento/ukiyoe-il-mondo-fluttuante

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Numerose le iniziative che l’hanno vista partecipe negli anni, dalle esposizioni personali a quelle collettive, in Italia e all’estero, in continuo mutamento e crescita. Dalla tela solo apparentemente bidimensionale alla performance, Bice vive immersa nei colori, spesso utilizzati puri, spremuti direttamente dal tubetto, a corpo, con spessore, oppure dilavati fino a lasciare intravedere trama e ordito sottostanti.

La materia sembra destrutturata, scandita solo dal veloce fluire del pennello, spesso dalle dita della mano. L’elemento dinamico è per lei una costante che investe l’intera poetica espressiva. E in questo corpo a corpo con la materia, Perrini crea spazi di silenzio, ma non silenti, in cui la figura umana sembra quasi completamente assente o solo presente come parte di un tutto. Intravedi pezzi di natura, usignoli, foglie, cactus, fiori, simboli di una terra amata e mai perduta che rivive costante come una giungla interiore, in un caos solo apparente, in cui le rare e riconoscibili immagini diventano elementi sacri per pensare e fantasticare, abbandonandosi alla possibilità di stabilire connessioni.

L’atto creativo sembra perennemente in bilico tra memoria antica e storia presente. Una storia felice che trasuda energia, pienezza, calore, una sorta di joie de vivre, come si diceva per Renoir o per Matisse. E poi c’è il mare. Presente, potente, salvifico, che impetuoso sembra volerti travolgere e che invece si fa attraversare, diventando spazio vitale, acqua attorno alla sua terra d’origine. Se socchiudi gli occhi, ti sembra di poterne ascoltare il rumore, lo sciabordio sull’arenile, come una musica o come una vertigine che ti travolge e ti ipnotizza, attirandoti al centro dell’opera.

Il percorso espositivo ideato per la galleria Up Urban Prospective Factory a Roma, dal 25 novembre al 1 dicembre 2023, vuole dunque condurci per mano nelle viscere di questo fantastico mondo, conquistarci come fossimo dentro una fragorosa polifonia visiva.

L’obiettivo della mostra è di creare dirette congiunzioni tra le opere, in modo da far sì che lo spettatore si metta in relazione con spazi interiori che consentano una immersione nella dimensione estetica ed emotiva di ciascuno. E questo certamente avviene attraverso una grammatica pittorica malleabile e giustapposta, in grado anche di assumere forme incoerenti. Si tratta di una sorta di scrittura automatica e famelica che prova a fagocitare ogni tipo di figura, purché resti in relazione con il mondo circostante.

Non parliamo di pittura da intrattenimento, ma di pittura pura che ripropone una serie pressoché infinita di temi e figure, investigando il rapporto tra superfici esterne ed interne, in un originalissimo gioco di effetti cromatici e visivi. L’artista scarnifica la forma a favore dell’impetuosità del colore, oltre i confini della tela stessa, nel tentativo di denudare l’impalcatura che la sorregge.

Il risultato è sorprendente, diverso e nuovo tutte le volte, ma sempre intento a valorizzare quel genius loci soprannaturale, che si aggira malandrino tra le opere, entra ed esce mai pago e sembra volerci ricordare che non ci si deve liberare delle proprie origini, ma piuttosto lottare per mantenerle, riscoprendo quel legame tra identità e manualità che rende così feconda la produzione artistica di Bice Perrini.

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Classe 1985, origini fiorentine, capelli neri, sguardo profondo, Simafra, nome d’arte, stimolato dai genitori, comincia a disegnare da bambino nel tentativo di esprimere le proprie emozioni e si avvicina all’uso del colore con grande sensibilità e dimestichezza.

Attorno ai sedici anni inizia a dipingere seriamente, a studiare disegno dal vero e si mette a bottega di decorazione e restauro. A diciannove già partecipa a diverse mostre collettive. Lavora duramente per galleristi e collezionisti privati in giro per il mondo: Londra nel 2013 (e per sei anni presso la Maddox Gallery), Roma, Beirut, Los Angeles. Arriva la notorietà, “momenti dorati” li definirà poi, che portano, come per un effetto domino, ad una inaspettata popolarità. “Tutto era estremamente abbondante”, racconta di quegli anni e proprio lì, in quell’illusorio apice di fama, Riccardo si domanda se smettere di dipingere.

Alla fine del 2019, alle porte di quella pandemia mondiale che ha alterato per lungo tempo le nostre vite, toglie le sue opere dalle gallerie, si ritira nella natura, tra le montagne dell’Appennino tosco-romagnolo e si chiude in isolamento.

Paura, inaridimento, perdita degli obiettivi, blocco creativo? Non sa dirlo neanche oggi con precisione, ma certamente racconta di avere sentito forte la necessità di ripensare la pittura, il suo più intimo significato, la sua connessione con la propria esistenza. E in fondo, di cosa è costituita la vera natura del pittore, se non di partecipazione e immedesimazione profonda con la materia della propria opera? Un’opera che non riguarda solo tela e colori, ma l’atto creativo in generale, la sua durata nel tempo lungo dell’infinito, la sua influenza e risonanza simbolica nella spiritualità del quotidiano.

Simafra è un pittore materico, e del resto la pittura è questione di materia, e gestuale. L’azione che egli compie per stendere il colore è un vero e proprio atto di restituzione, sulla tela, di ciò che il mondo ha proiettato nel suo animo.

Se passi la mano sulla superficie di un dipinto ti accorgi che qualcosa sta succedendo e allora devi provare a guardare più da vicino, a metterci il naso dentro. A tratti lo spessore aumenta, il colore si coagula, la materia urla disperata in attesa di essere domata. Ma subito dopo, diventa inesistente, sottile, diafana, trasparente, sembra scolare, quasi volesse mostrare lo scheletro di trama e ordito che la sostiene. Certo è una pittura genuina, oggi più consapevole di ieri, ma non mira al solo riconoscimento formale, vive e combatte la sua battaglia quotidiana per divenire autentica, senza sottrarsi al dolore e ai lati oscuri della ricerca continua e della sperimentazione ossessiva.

E il fruitore, vittima di un sortilegio o di una inspiegabile magia, viene risucchiato nelle viscere di quel lavoro certosino del pennello che, se qualche volta lascia tracce veloci e sicure sulla tela, più spesso ricorda l’antica origine del lavoro fiorentino delle botteghe cinquecentesche. I tratti sottili in oro o in bianco sembrano tessere preziosi tessuti che richiamano l’Oriente e diventano catalizzatori di simboli evocati.

Ho guardato a lungo le opere di Riccardo. Quelle di ieri e quelle di oggi. E sento forte questo passaggio, questa trasformazione. La lontananza dalle gallerie, dalle esposizioni, dai vernissage ha prodotto come effetto immediato una ricerca di spontaneità e semplicità che, se prima ha trovato appagamento in una vita lontano dai riflettori (ha allevato bestiame e fatto l’apicoltore), ha poi rivelato ancora più prepotente la sua vera natura.

Per un artista esiste un rapporto quasi mimetico tra il mondo ed i segni che lo descrivono, un rapporto di sangue e carne che va oltre il tangibile. Mondi lontani, paradisi perduti, realtà distopiche, scenari apocalittici. Il nuovo Simafra, un po’ Emilio Vedova, un po’ Hieronymus Bosch, somiglia ad uno sciamano e le sue ultime opere hanno qualcosa di magico e ancestrale. Ne riconosco i simboli, il mantra dei colori, le forme esoteriche. E intravedo in questa pittura realtà arcane e misteriose che non si percepiscono solo con gli occhi, ma con i sensi e con intuizione poetica. Il colore disegna immagini che non è necessario decodificare per comprendere che il sistema linguistico è parzialmente insufficiente a restituire la varietà di questo processo creativo.

https://simafra.com/

https://www.instagram.com/simafra/?hl=it

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Cucchi, in particolare, mi colpiva per quei suoi lavori così misteriosi, tele che non finivano mai, piatte solo in apparenza e che tentavano di superare i perimetri stabiliti dall’arte visiva, estendendo l’immagine al di là dello spazio pittorico. Grande evocatore di storie, miti e luoghi, Enzo Cucchi è oggi uno tra gli artisti più prolifici e originali della scena contemporanea.

La sua ultima esposizione romana, Il poeta e il mago, a cura di Luigia Lonardelli e Bartolomeo Pietromarchi, presso il Maxxi, fino al 24 settembre prossimo, non è una retrospettiva classica. Seguendo, infatti, la sua personale attitudine, la mostra non segue una impostazione lineare, ma è concepita come un percorso all’interno del suo universo poetico, presentando un nucleo di opere recenti messe in relazione con alcune del passato, a partire dagli anni Settanta.

Lavori su carta, libri, dipinti, sculture che combinano pittura, terracotta, ceramica, marmi e bronzi, reti e ferri. Le oltre duecento opere esposte scandiscono un percorso ricco di sorprese che incantano il visitatore.

L’allestimento è studiato nei minimi particolari: al centro di tutta la galleria si snoda un dispositivo a varie altezze su cui sono poggiate numerose ceramiche, nello spazio vuoto del soffitto fluttuano disegni enormi che creano improvvisi cambi di prospettiva, un’area separata cela al centro del pavimento un’aquila capovolta e sulla gradinata di un’intera parete sono allestite le decine di progetti editoriali realizzati da Cucchi nel corso della sua lunga carriera.

E poi ci sono le tele, alcune con inserzioni e protuberanze in terracotta, ma tutte altamente poetiche, capaci di sprigionare simboli, immagini, ricordi, suoni, memorie.

Sono tornata a vedere la mostra più volte, rapita dai colori tribali e fortemente onirici e mi sono chiesta, come sempre da decenni, quando un’opera d’arte diventi universale e non solo espressione del singolo. E ho concluso che deve essere questo il caso se “l’alchimista che plasma la materia” è in grado di superare il concetto di tempo, riunendo il passato ed il futuro in un unico lungo presente che rinnega la linearità cronologica, in favore di quel perenne movimento che fiorisce nell’oggi, lo rende attuale, spirituale, sacro.

archivioenzocucchi.com

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Questa volta, accompagnata dalla mia cara amica Fabiola Cinque, mi sono recata in via di Ripetta 117, in visita al Palazzo Vilòn, la nuova residenza di lusso privata, custodita all’interno dell’ala più nobile del prestigioso Palazzo Borghese, straordinario gioiello del Barocco romano.

Inutile tentare di descrivere la mia meraviglia, una volta varcata la soglia: ori, stucchi, sculture, marmi pregiati, tappeti, soffitti dipinti, specchi, arredi originali, lo sfarzo più assoluto. Ho dovuto superare l’imbarazzo ed il timore di profanare tutta quella meraviglia, per procedere ad una accurata visita, sotto lo sguardo attento della General Manager Martina Avitabile, che ci ha gentilmente accompagnate.

Il Palazzo è situato nello storico Rione Campo Marzio, a pochi passi da Piazza di Spagna e dal cuore pulsante di Roma e per lungo tempo è stato la dimora della famiglia Borghese, una tra le più potenti ed influenti dinastie del Seicento europeo.

Il Principe Giovanni Battista Borghese, infatti, ne commissionò la realizzazione al celebre architetto Carlo Rainaldi (1611-1691), che lavorò d’intesa con il brillante scenografo bolognese Giovanni Francesco Grimaldi (1606-1680), due maestranze già note nel ricco panorama artistico italiano del tempo.

Ultimato nel maggio del 1678, questo scrigno delle meraviglie è stato recentemente acquisito da Shedir Collection, società specializzata nell’hôtellerie di lusso, che lo ha trasformato nella più esclusiva residenza privata di tutta Roma, grazie anche all’intervento dell’architetto Giampiero Panepinto che ne ha arredato e allestito gli spazi.

Le stanze sono poche e meravigliose (12 ospiti al massimo), i comfort offerti di altissimo livello (una straordinaria SPA privata, 120 mq, dotata di piscina, sauna e bagno turco, che si affianca ad un’attrezzata palestra munita dei più avanzati macchinari per il fitness), i saloni di rappresentanza sontuosi ed esclusivi, come la Sala degli Specchi.

Le camere si affacciano su un’altra gemma segreta della città, il giardino privato di Palazzo Borghese, un’oasi verde punteggiata da vasi, nicchie e giochi d’acqua. Insomma, se volete vivere un’esperienza indimenticabile, fare un viaggio nel passato glorioso di Roma, sentirvi davvero al centro del mondo, dovete venire a soggiornare qui, nel Palazzo Vilòn.

www.palazzovilon.com

www.shedircollection.com

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Numerosi gli artisti presenti, tra nomi più o meno noti: Carlo Maratti, Andrea Pozzo, Giovanni Battista Piranesi, Umberto Boccioni, Giacomo Balla, Fortunato Depero, De Pistoris, Giorgio de Chirico, Maurits Cornelis Escher, Victor Vasarely, Ugo Nespolo, Giulio Paolini, Giuseppe Fiducia, Pier Augusto Breccia, Alfredo Zelli, Cesar Santos che si rapportano con opere site-specific di alcuni tra gli artisti digitali più innovativi e dirompenti della scena contemporanea italiana e internazionale: Robert Alice, Refik Anadol, Alex Braga, Joshua Chaplin, Sofia Crespo e/and Feileacan McCormick, Damjanski, Primavera De Filippi, fuse*, Fabio Giampietro con/with Paolo Di Giacomo, Krista Kim, Mario Klingemann, Pak, Joe Pease, Federico Solmi, Sasha Stiles, Pinar Yoldas. Ne viene fuori un esperimento innovativo che mira a far dialogare il vecchio ed il nuovo in un ardito confronto motivazionale.

“Ipotesi Metaverso è una delle prime mostre internazionali a porsi domande sul concetto tecnologico/esistenziale di Metaverso” scrivono i curatori Simongini e Tabacchi e ancora “Il visitatore si immerge così in una dimensione phygital (unione di fisico e digitale), che è poi quella che ci si prospetta nella vita quotidiana dell’immediato futuro.”

Non nascondo di avere provato un vago senso di inquietudine lungo tutto il percorso espositivo. Sarà per le luci basse, sarà per le tende nere che separano le sale o forse soltanto perché non mi hanno mai particolarmente attirato quegli eventi che puntano tutto sul fattore sorpresa. E invece, appena infilato il visore, ho dovuto rivedere le mie convinzioni. Inizialmente ho provato un vero e proprio senso di vertigine, un buco allo stomaco. Ho creduto davvero di perdere l’equilibrio, mi è mancato il respiro ed ho continuato a ripetermi mille volte che ero seduta, neanche troppo comodamente, su uno sgabello ancorato al pavimento e non potevo assolutamente cadere.

Adesso che ci ripenso, devo ammettere che è stato un viaggio per me completamente nuovo, di cui devo ringraziare Krista Kim e Alex Dang che, con l’opera Regenesis, del 2021, mi hanno introdotta per la prima volta, grazie al software Blender, dentro l’istallazione e nel Metaverso, in particolare nel quartiere di Mott Haven nel Bronx di New York.

E la scoperta è andata avanti tra grandi schermi, intelligenza artificiale, reti generative e mondi al di là degli universi possibili, riconoscendo così un primato a Palazzo Cipolla, come avamposto contemporaneo della capitale, in grado di intercettare nuove tendenze e nuovi linguaggi e di promuovere l’arte contemporanea in ogni sua coniugazione e sfumatura. E questo grazie alla lungimiranza del Prof. Emmanuele Emanuele, Presidente della Fondazione Terzo Pilastro-Internazionale, convinto sostenitore della necessità oggigiorno di coniugare la tradizione con il nuovo che avanza. Non so se sono completamente d’accordo con lui, ma di certo la mostra sarà un ottimo attrattore per le giovani generazioni che, richiamate dalle più o meno abituali frequentazioni di spazi multimediali iperconnessi, si troveranno davanti opere di giganti come Pozzo, Boccioni, Giorgio De Chirico e molti altri. E sarà forse una buona occasione per conoscerli e studiarli.

Diceva Spielberg che il Metaverso è un luogo dove puoi fare qualsiasi cosa, essere chiunque, senza andare da nessuna parte. E infatti, è bastato chiudere gli occhi, dopo essersi accomodati sull’altalena immersiva di Fabio Giampietro e Paolo Di Giacomo, per avere la sensazione di essere davanti e dentro la finta cupola della Chiesa di S.Ignazio, capolavoro di architettura simulata e virtuale, risalente alla fine del 1600.

La smaterializzazione torna nelle sale successive, per esempio con la performance audiovisiva di Alex Braga che crea un’esperienza di moltiplicazione sensoriale fondata sulla musica. Tutto accade qui ed ora, nel momento stesso in cui si vive. Non esiste passato, ma solo un eterno, variabile presente.

Il viaggio continua tra materiale e immateriale, passando attraverso l’ibridazione di nuovi linguaggi e le sorprese si succedono ininterrotte.

Arrivata nell’ultima sala mi domando, come scrive la curatrice Tabacchi, se possiamo ancora parlare di arte eterna secondo i canoni classici. Credo di no, ma.. entrate ragazzi, questo è il futuro!

https://www.fondazioneterzopilastrointernazionale.it/project/ipotesi-metaverso

https://www.turismoroma.it/it/luoghi/palazzo-cipolla

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Il MAXXI è un museo incredibile in cui vengono allestite sempre mostre molto interessanti e, ogni volta che ci vado, ne rimango entusiasta. Qualche giorno fa, più che altro per accontentare mia figlia, mi ci sono recata quando ancora nell’aria aleggiava l’odore del ragù domenicale e mi sono imbattuta in Retrospectrum, la prima retrospettiva europea dedicata alle opere visive di Bob Dylan.

Non credo sia necessario ricordare quanto egli sia già considerato una vera e propria icona della musica e quanto abbia appassionato il pubblico di tutto il mondo con il suo contributo innovativo alla storia della cultura, al cui sviluppo ha collaborato con poesia e pittura. E che pittura!!! Dagli anni Sessanta ad oggi, Dylan ha prodotto una vasta raccolta di disegni, dipinti e sculture, testimonianza evidente della sua natura poliedrica.

Come accade per i testi delle canzoni, i soggetti dei suoi dipinti subiscono continue trasformazioni: nuove angolazioni, cambi di tecnica e di stile, differenti contrasti cromatici per suggerire sensazioni sempre nuove. I suoi numerosi viaggi si trasformano in occasioni per raccontare il paesaggio americano e i suoi abitanti.

Lungo le sale del Maxxi, nella galleria 5, si susseguono circa 100 opere, divise in 8 sezioni, tra cui dipinti, disegni e sculture realizzate con materiali di recupero: ingranaggi, strumenti, pezzi di macchinari, che rivivono in ringhiere, mobili in ferro, elementi decorativi da parete o semplicemente simboli che conservano l’autenticità e la storia delle sue origini.

Bob Dylan ha davvero una mano felice, disegna con cura e naturalezza, come volesse mettere in ordine i propri pensieri su carta. E poi dipinge, più spesso acrilici su tela, anche di grandi dimensioni, passando con nonchalance dallo stile impressionista, a quello espressionista, risentendo certamente dell’eredità di Hopper, attraverso una sorta di realismo in cui primeggiano colore e profondità. Ne vengono fuori istantanee di vita osservate da un angolo privilegiato, il suo sguardo ravvicinato e indagatore, come guardasse dal buco di una serratura.

Insomma, se siete a Roma, non potete perderla. Retrospectrum è davvero una gran bella esposizione, una occasione per conoscere più da vicino il cantautore premio Nobel che ha dedicato gran parte del proprio tempo ed energie alla tela, fino a farne negli ultimi anni una parte centrale, quanto la musica, della sua produzione artistica.

https://www.maxxi.art/events/bob-dylan-retrospectrum/

https://tg24.sky.it/spettacolo/musica/2022/11/15/bob-dylan-mostra-roma

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L’evento si origina dal desiderio di valorizzare il patrimonio documentario dell’Archivio di Stato e si basa su una ricerca sperimentale condotta sulla produzione della carta, da materiali di scarto di svariate specie vegetali, nella prima metà dell’Ottocento nello Stato Pontificio.

La mostra, ospitata nella Sala Alessandrina dal 7 luglio scorso al 30 ottobre, è stata per me una piacevole scoperta, soprattutto quando mi sono resa conto che si è potuta realizzare con la collaborazione degli studenti del Liceo Artistico Midossi di Vignanello (VT) e dell’Accademia di Belle Arti di Roma, grazie al contributo del Museo Erbario – Polo Museale Sapienza e di tre artiste che lavorano da sempre con questo materiale: Eleonora Cumer, Sabrina Ventrella e Anna Maria Scocozza.

Protagonista indiscussa è dunque la carta, materiale prezioso che evidenzia tutte le sue potenzialità di riutilizzo, innescando una virtuosa economia circolare di grande attualità, che oltretutto è in grado di saldare passato, presente e, grazie agli studenti, anche futuro.

Esposte nelle vetrine lignee della Sala Alessandrina, campeggiano preziosi esemplari di erbari della seconda metà dell’Ottocento che si alternano a fogli di carta, dalle varie sfumature di colore, realizzati con materiali vegetali dagli studenti del corso di Tecnologia dei materiali cartacei, dell’Accademia di Belle Arti. Autori anche, con i colleghi più giovani del liceo, di incredibili libri d’artista, vere e proprie opere d’arte originali, pezzi unici che riflettono la complessa trama di ricordi, retaggi culturali ed esperienze personali di ciascuno.

Notevole dunque l’attenzione di tipo scientifico e quasi antropologico alla materia, la carta, di cui viene sondato e sperimentato il potenziale linguistico e l’enorme capacità di generare storie, in un tentativo di grande attualità che ricerca un equilibrio tra specie naturali e manufatti artificiali e che ci proietta senza indugi nel futuro.

Curatrici dell’evento e dell’intero progetto espositivo Nunzia Fatone e Giovanna Mentonelli, cui va il mio più affettuoso ringraziamento per avermi personalmente accompagnata in questo viaggio onirico tra vecchi documenti d’archivio e stimolanti creazioni e per avermi rammentato il grande potere evocativo della carta.

https://www.archiviodistatoroma.beniculturali.it

https://www.beniculturali.it/evento/dalle-carte-darchivio-alle-carte-dartista-erbari-foglie-e-fogli-di-carta-risorse-preziose-per-la-creativita

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In queste poche righe di Arturo Martini del 1946, pubblicate su L’Illustrazione Italiana nel ‘48 con il titolo Il trucco di Michelangelo, ritroviamo l’essenza del pensiero artistico di Jago, la sua innata energia creativa, le sue potenti realizzazioni che si originano da tecniche tradizionali, la sua grande capacità comunicativa che riesce a metterlo in contatto con qualsiasi interlocutore.

Jacopo Cardillo, classe 1987, nasce a Frosinone, viaggia e lavora in Cina e in America, ma si stabilizza a Napoli dove risiede. Partecipa a numerose esposizioni tra cui la 54ª edizione della Biennale di Venezia, che gli è valsa la Medaglia Pontificia.

La mostra di Palazzo Bonaparte a Roma, dal 12 marzo scorso e prorogata fino al 28 agosto prossimo, curata da Maria Teresa Benedetti, riunisce una serie di opere, dodici, realizzate fino ad oggi in un lavoro sempre in fieri, capace di costante arricchimento. Passeggiando nelle sale dell’esposizione si rimane folgorati da opere come Figlio Velato (2019), Memoria di sé (2015), La pelle dentro (2012), First baby (2019) e dalla attualissima Pietà (2021), tutte realizzate in un abbacinante marmo bianco appartenente alla tradizione e realizzate con procedimenti esecutivi classici: dal disegno al modello, dal bozzetto d’argilla al calco in gesso. Ma allora cos’è che le rende così attuali se la tecnica ed i temi ispiratori sono antichi ed abusati?

Jago è un artista molto social, una vera e propria star dei media che, grazie a dirette streaming e minuziose documentazioni foto e video, coinvolge il suo pubblico, racconta il processo inventivo di ogni opera, condivide il percorso intrapreso, riesce a far partecipare attivamente ogni singolo followers. Per questo è così seguito e apprezzato e, in un costante gioco di rimandi, riesce a sensibilizzare il pubblico con la sua visione del mondo, tesa alle tematiche del presente, ma con un occhio alle tecniche artistiche del passato che gli consentono di ottenere levigate, scorrevoli superfici o pelli aspre e ruvide.

Dotato di una grande capacità persuasiva e dell’antico mestiere dello scultore, così come si intendeva nel Rinascimento, Jago compie operazioni dall’enorme potere mediatico, frutto certamente di una avveduta strategia personale, ma anche piuttosto convincenti.

Sono rimasta a lungo sorpresa davanti alla nudità di Papa Benedetto XVI. Il suo corpo denudato, il busto emaciato, la dolcezza dell’espressione fanno emergere l’umanità della persona, di chi è tornato ad essere uomo tra gli uomini. Habemus Hominem (2009/2016) è una scultura potente e realistica che contiene profondi significati simbolici. Come simbolica è l’immagine di Venere (2018) privata della giovinezza e della bellezza, ma che con estrema pudicizia, memore della posa e dell’atteggiamento della più nota Venere Capitolina, esibisce la propria pelle rugosa e flaccida come un monito che vuole ricordarci che dobbiamo resistere, nonostante tutto.

Jago è uno scultore realista di grande talento, che tenta l’impresa titanica di vincere il Tempo, stabilendo una perfetta simmetria tra passato e presente.

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In esposizione 13 artisti appartenenti a diverse generazioni, nati nell’arco di cinque decenni, tra il 1937 e il 1978, che hanno respirato il fermento creativo della capitale britannica negli ultimi decenni: David Hockney, Michael Craig-Martin, Sean Scully, Tony Cragg, Anish Kapoor, Julian Opie, Grayson Perry, Yinka Shonibare, Jake e Dinos Chapman, Damien Hirst, Mat Collishaw, Annie Morris e Idris Khan.

La mostra è stata un occasione per ammirare opere e materiali assai diversi: dalla pittura all’installazione, dalla scultura all’oggetto feticcio (una borsetta in edizione limitata ed un vaso tradizionale cinese decorato), dai video alla fotografia, dal disegno alla ceramica, spaziando attraverso una serie di tematiche quali la vita quotidiana, il confino, l’esplorazione dell’essere umano, il paesaggio, la politica, la religione, la storia dell’arte, la letteratura, la musica, il genere, la violenza o il rapporto tra la vita e la morte.

I curatori Maya Binkin e Javier Molins, supportati da gallerie e collezioni internazionali, hanno proposto dunque uno spaccato dell’attuale scena artistica londinese attraverso una serie di opere iconiche a cui hanno fatto da contraltare alcune frasi degli artisti stessi scritte sulle pareti, come: Londra ha cambiato la mia vita, di Idris Khan, o Londra è una città multiculturale, con differenti realtà e ciò è una caratteristica incredibilmente speciale di questa città, di Anish Kapoor. Didascalie o affettuosi tributi ad una città oggi molto all’avanguardia nel mondo dell’arte.

Sicuramente degne di menzione sono state le opere di David Hockney, realizzate su i-pad e i-phone e poi stampate in grandi dimensioni, le sculture di Anish Kapoor capaci di creare luoghi e dimensioni ad alta carica emotiva, le installazioni di Damien Hirst che realizza un vero e proprio studio medico affollato di farmaci, fino alle opere di Michael Craig-Martin che si ispirano alla più cruda attualità, ispirandosi al Covid e alla pandemia mondiale in corso e al lampadario di Mat Collishaw in frenetico e perpetuo movimento.

Insomma, le mostre a Palazzo Cipolla non deludono mai e, se avete perso questa splendida occasione di immergervi nel più attuale scenario creativo londinese degli ultimi anni, potete sempre restare in attesa del prossimo evento che certamente sarà rivolto ad indagare le tendenze e le manifestazioni più significative dell’arte contemporanea attuale.

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