Le opere pittoriche di Anna Di Fusco sembrano muoversi lungo una linea di tensione tra l’astrazione e l’evocazione emotiva. I suoi lavori, caratterizzati da una ricerca cromatica sensibile sul bianco e da una gestualità che lascia emergere il tempo del fare, suggeriscono paesaggi interiori piuttosto che rappresentazioni definite. In questo contesto, la pittura diventa superficie viva, luogo di attraversamento, in cui lo sguardo dello spettatore è invitato a perdersi e a ritrovarsi.

Accanto a questa dimensione fluida e atmosferica, le sculture di Salvatore Giunta introducono una presenza fisica forte, concreta, quasi necessaria. Le sue forme, spesso essenziali ma cariche di tensione interna, sembrano trattenere e allo stesso tempo liberare energia. Il rapporto con la materia — che sia metallo, pietra o altro — diventa centrale: la scultura non è solo forma, ma gesto congelato, equilibrio tra peso e slancio.

È proprio in questo scarto tra leggerezza pittorica e densità scultorea che si genera il cuore dell’esposizione. “L’infinito sporge” non è solo un titolo evocativo, ma una vera e propria chiave di lettura: l’infinito, inteso come tensione verso ciò che eccede il limite, si manifesta sia nelle profondità cromatiche della pittura sia nelle linee protese delle sculture. Le opere dialogano nello spazio espositivo come presenze che si cercano, si sfiorano, talvolta paiono contraddirsi, ma sempre si arricchiscono reciprocamente.

A rendere ancora più articolata questa esperienza, interviene la voce poetica di Laura Anfuso, i cui versi accompagnano e amplificano la percezione delle opere. La parola poetica introduce un ulteriore livello di lettura, capace di attraversare sia la dimensione visiva sia quella emotiva. I testi di Anfuso non descrivono le opere, ma le risuonano: creano echi, aperture, pause di senso che invitano lo spettatore a sostare per “sentire”.

Laura e Salvatore hanno già diverse collaborazioni alle spalle, soprattutto nella creazione di libri d’artista capaci di creare un dialogo che si sviluppa in un rapporto sinergico articolato nel tempo e in una contaminazione di espressioni che coinvolge totalmente colui che guarda.

In questo intreccio di linguaggi — pittura, scultura e poesia — l’esposizione si trasforma in un’esperienza immersiva, dove ogni elemento contribuisce a costruire un’unica trama sensibile. L’interazione tra Di Fusco, Giunta e Anfuso non è quindi una semplice giustapposizione di opere, ma un vero e proprio processo di co-creazione, in cui l’infinito sporge proprio nel punto di contatto tra le differenze: lì dove il limite di un linguaggio diventa apertura verso l’altro.

https://www.salvatoregiuntaarte.com

https://www.annadifusco.com/

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E’ stata una mattinata intensa ed emozionante che mi ha consentito di riflettere ancora su una delle figure più controverse del secolo scorso. La sua ampia produzione aveva indagato le contraddizioni della società italiana, la perdita dei valori popolari e l’omologazione culturale. La sua voce critica e scomoda, impegnata contro il potere ed il conformismo, risulta oggi quanto mai attuale ed i numerosi interventi della mattinata lo hanno confermato, ciascuno raccontando il proprio rapporto personale con la sua opera o, come nel caso della giornalista Lucia Visca, addirittura con la sua morte.

Il resoconto della scoperta del cadavere all’idroscalo di Ostia, il 2 novembre del 1975, ha ricordato i molti dubbi che avvolgono la vicenda giudiziaria che ne seguì, lasciando ancora molto fitto il mistero della sua morte.

https://it.wikipedia.org/wiki/Pier_Paolo_Pasolini

https://www.treccani.it/enciclopedia/pier-paolo-pasolini

https://www.raicultura.it/webdoc/pier-paolo-pasolini/index.html#welcome

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I partecipanti, invitati a lavorare sul posto, hanno esplorato il paesaggio da varie prospettive e, attraverso tecniche diverse, dall’espressionismo all’astrattismo, dal realismo al concettuale, hanno interiorizzato la tematica proposta fino a darne diverse interpretazioni, talvolta con forti valenze simboliche.

Il sentimento del luogo ha consentito la creazione di una varietà di invenzioni, di ricostruzioni, di vedute ideate o vagheggiate, in cui gli artisti hanno sollecitato l’immaginario personale per cogliere dal vero quanto serve a trasferire l’immagine reale nel personale sentire interiore. La pittura dunque, e non solo, come strumento per valorizzare un territorio rappresentandone i paesaggi, la cultura e la storia, rafforzando il senso di appartenenza e l’identità di una comunità, celebrata con rappresentazioni visive significative. 

Il vincitore, il maestro Pasquale Verdone, artista di lungo corso, si piazza al primo posto con una grande tela di cézanniana memoria, dalla pennellata veloce e sicura e dai mille colori.

Anima dell’iniziativa è Silvano Annibali che con cura e determinazione segue e promuove l’evento dal suo nascere e che anche quest’anno, guidato dalla magia del luogo, è riuscito a compiere un piccolo miracolo, portando sotto i riflettori una collettività semplice ma vivace, che è riuscita a fare affezionare all’arte anche i più piccini.

https://www.facebook.com/groups/amiciposticciola?locale=it_IT

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Pino Volpino non è nuovo a questo tipo di collaborazioni con realtà impegnate nel sociale. I suoi lavori, infatti, affrontano tematiche comunitarie ed interpersonali con un approccio intimista. Ha dipinto su carta, legno, tela, materiali di riciclo a cui è stata concessa una seconda vita e sempre, attraverso un bestiario attonito e indifeso, ha esplorato temi profondi e simbolici, rendendo il mondo animale un soggetto ricco di significato e ispirazione. Ma Giuseppe è anche un grande sperimentatore e dunque sta provando negli ultimi anni ad evolversi oltre il riconoscibile, trasformando in simboli distintivi del proprio lessico una serie di segni che riassumono, sintetizzandola, la sua poetica.

Dunque, presso il Museo Crocetti abbiamo assistito ad una interessante celebrazione di queste rappresentazioni iconiche: numerose immagini-simbolo, che solo in apparenza si somigliano, si svolgevano in lunghezza sulle pareti, seguendo un ritmo visivo che dava energia a ciascuna composizione. In una illusoria ripetizione, mai casuale, ottenuta grazie all’utilizzo di fogli di acetato, piccole icone caratterizzate sempre da occhi bianchi, grandi e spalancati si rincorrevano senza sosta, ognuna diversa, espressiva, quasi ad urlare, mute, la loro presenza.

Ci si inganna se si pensa che fossero tutte uguali: il simbolismo ripetuto di Pino Volpino è solo un espediente utilizzato dall’artista per rafforzare un messaggio, un tema o un’idea, creando un senso di continuità e riconoscibilità del proprio linguaggio espressivo, grazie anche ad un uso del colore piuttosto accattivante, ma che non cede mai alla retorica dell’estetica. Gli strati sovrapposti di tempere o acrilici contribuiscono, infatti, a creare un ritmo visivo e a sottolineare l’importanza di certi simboli all’interno dell’opera stessa. I rosa, i gialli, i celesti, ma pure i rossi ed i neri ed i bianchi piatti e profondi, diventano infine parte integrante di un vocabolario tutto personale che cerca il suo spazio vitale nell’universo.

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Aderente alle istanze della contemporaneità, il suo lavoro è stato negli anni determinante per la nascita e lo sviluppo di nuovi modi di intendere l’opera d’arte: dall’astrattismo dell’immediato dopoguerra all’informale, dalla pittura-ambiente a un’arte dematerializzata, fino alla rinnovata joie de vivre incarnata nella pittura degli anni Ottanta e nei grandi dittici e trittici degli anni Novanta e Duemila.

Il percorso espositivo è stato progettato per evidenziare alcuni aspetti del lavoro di Carla Accardi: la sua predilezione per i contrasti, che metteva in risalto per poi destinarli a nuove integrazioni, insieme alla scelta di esprimersi attraverso il segno e all’attitudine a reinventarlo incessantemente, per collaudare di continuo nuove convivenze o nuovi rapporti con lo spazio e la superficie.

Nel corso della sua vita Carla Accardi ha dialogato spesso con intellettuali e artisti di più giovani generazioni, incrementando gli stimoli per nuove ricerche, ripercorrendo il rapporto tra l’arte e il femminismo, nello scenario contemporaneo e scegliendo da subito la pittura astratta, affermando che questa dimensione le era sempre sembrata più favorevole alle artiste donne, in primis per l’assenza di elementi iconografici tradizionalmente dedicati a imprese maschili.

Curata da Daniela Lancioni e Paola Bonani, curatrici dell’Azienda Speciale Palaexpo, l’esposizione, sia per numero che per l’importanza delle opere, si configura come la più esaustiva sino ad ora dedicata all’artista.

https://www.palazzoesposizioniroma.it/mostra/carla-accardi

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Inaugurato il 20 febbraio scorso, l’evento ha presentato circa centocinquanta opere di arte giapponese, tra il Seicento e l’Ottocento. Sono esposti i più importanti maestri dell’ukiyoe, oltre 30 artisti, a partire dalle prime scuole seicentesche. La tecnica dell’ukiyoe, importata dalla Cina, implementò infatti la diffusione di immagini e libri, permettendo una considerevole produzione in serie. Da qui la divulgazione di stampe che rappresentò un vero e proprio florido mercato.

La grande novità dell’ukiyoe erano i soggetti, completamente diversi dalla grande pittura parietale aristocratica al servizio dei potenti e dalle scuole classiche di Kyoto. In questo senso l’ukiyoe è una testimonianza diretta della società giapponese del tempo, degli usi e dei costumi, delle mode da indossare e dei luoghi naturali.  

L’esposizione racconta anche dell’arrivo in Giappone e della passione per il collezionismo di due grandi viaggiatori italiani, Edoardo Chiossone (1833-1898) e Vincenzo Ragusa (1841-1927), entrambi vissuti nel Paese del Sol Levante, in un periodo in cui il Giappone si apriva per la prima volta agli stranieri.

Sette sezioni accompagnano il pubblico alla scoperta degli aspetti molteplici dell’ukiyoe: la musica, la danza, la ritrattistica di attori, la rappresentazione della bellezza femminile, i giochi, i passatempi, le località celebri dentro la città.

La mostra dunque, visitabile per qualche altro giorno ancora, ci presenta un ritratto culturale del Giappone tra Seicento e Ottocento, testimoniando lo scambio artistico tra i due paesi e facendoci riflettere su una influenza mai cessata che ci pervade oggi più di ieri e che ha profondamente trasformato il nostro vivere contemporaneo.

https://www.museodiroma.it/it/mostra-evento/ukiyoe-il-mondo-fluttuante

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Nata a New York e residente a Roma, Claudia viaggia spesso in giro per il mondo e non solo per visitare località sconosciute, ma per conoscerne ed assorbirne usi e tradizioni.

Difficile classificarla con una sola etichetta: artista, designer, grafica, imprenditrice. Spinta da una buona dose di curiosità e sempre pronta a sperimentare, ha attraversato varie fasi artistiche. Dall’idea, al progetto, dallo schizzo al dipinto su tela, dalla carta al plexiglass, dai collage al decoupage, attraverso pixel e acrilici, lavora instancabile su ogni idea capace di “liberarsi” da dentro, indistintamente dalla mente o dal cuore.

Sono andata a trovarla nel suo studio romano, in Prati, un paio di volte e ne ho ricevuto sempre la medesima impressione: un luogo luminoso, sereno, in cui è possibile lasciar scorrere liberamente le proprie emozioni. Mi sono sentita accolta ed ho avuto spesso l’impulso di sedermi davanti alla finestra per elaborare le mie impressioni. Ma non ho mai fatto in tempo, tutte le volte il mio sguardo curioso si è posato su quei lavori circolari, su tela e su carta, sistemati sotto il tavolo di vetro o appesi alle pareti. Studi di colore, monogrammi astratti che rivelano antiche passioni, come l’amore per l’arte orientale e la pittura giapponese. Colori vividi e ritagli di giornale si affastellano in ogni angolo. Sembra tutto in ordine, ma in realtà tutto si muove, nella calma e nel silenzio.

Claudia Palmira organizza il suo lavoro in ogni fase creativa e lo segue passo passo: dal primitivo progetto alla realizzazione compiuta. Mi hanno molto colpito le sue ultime creazioni, realizzate su seta. Tessuti preziosi con stampe originali pendono da una parete a destra dell’ingresso, distinti per collezione: Opera, Segni Zodiacali, Rococò ed altre. Presto li vedremo nei bookshop dei musei, a cominciare da quello del Metropolitan di New York.

Palmira fonde creatività ed innovazione con grande audacia, sperimenta ogni campo plausibile ed utilizza tutti i materiali a disposizione, ma con i piedi ben saldi al terreno intravede i possibili utilizzi della sua arte nel quotidiano. Crea insomma una una sorta di Arts and Crafts che, come allora, si prefigge di conciliare l’Arte più aulica con la produzione artigianale e/o industriale, finalizzata all’ingresso della bellezza negli ambienti di vita quotidiana.

Lo stretto connubio tra tecnologia ed arte, nel senso più ampio del termine, mi ha sempre profondamente affascinato e sembra che Claudia ne abbia una profonda vocazione, tanto sapientemente riesce a mescolare i linguaggi e addirittura a condividerli in laboratori per adulti, cui insegna infatti come riscattare la personale interiorità per esprimersi al meglio e vivere la propria unicità nel perenne fluire degli eventi.

https://claudiapalmira.com/it/

https://newyorkerinrome.com/

https://byclu.com/it/

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Organizzato dal direttore del Museo Maria Giuseppina Di Monte e l’architetto Maddalena Paolillo, l’incontro è stato dedicato alla disabilità visiva con la partecipazione della Dott.ssa Maria Poscolieri (Associazione di Volontariato Museum – ODV), della Prof.ssa e scultrice Lucilla D’Antilio, della Signora Antonietta Barbonetti, dell’artista Lucia Sforza e della poetessa Laura Anfuso.

L’evento si è aperto con la presentazione del libro d’artista dal titolo Se Uomo cura. Si tratta di un libro intimo, ma che si scompagina e offre una molteplicità di metafore, permettendo al lettore di immergersi in una vibrante pienezza sinestetica. Antonietta Barbonetti, Lucia Sforza e Laura Anfuso hanno deciso di proporlo per la prima volta in questa occasione. Parleranno della loro collaborazione, dell’opera nata dall’incontro della ricerca sul tatto di Laura Anfuso con quella che Lucia Sforza ha condotto sulle membrane di luce lavorando insieme ad Antonietta Barbonetti.

Scopo dell’incontro è stato quello di sollecitare una riflessione sulla cura del tatto per tutti, sull’importanza di riscoprire questo senso troppo spesso mortificato e trascurato e godere dell’Arte spostando lo sguardo, per soffermarsi con consapevolezza sulla complessità della relazione e sul valore irrinunciabile di un dialogo costante con la disabilità, in un ascolto profondo e rispettoso, un confronto aperto.

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Numerose le iniziative che l’hanno vista partecipe negli anni, dalle esposizioni personali a quelle collettive, in Italia e all’estero, in continuo mutamento e crescita. Dalla tela solo apparentemente bidimensionale alla performance, Bice vive immersa nei colori, spesso utilizzati puri, spremuti direttamente dal tubetto, a corpo, con spessore, oppure dilavati fino a lasciare intravedere trama e ordito sottostanti.

La materia sembra destrutturata, scandita solo dal veloce fluire del pennello, spesso dalle dita della mano. L’elemento dinamico è per lei una costante che investe l’intera poetica espressiva. E in questo corpo a corpo con la materia, Perrini crea spazi di silenzio, ma non silenti, in cui la figura umana sembra quasi completamente assente o solo presente come parte di un tutto. Intravedi pezzi di natura, usignoli, foglie, cactus, fiori, simboli di una terra amata e mai perduta che rivive costante come una giungla interiore, in un caos solo apparente, in cui le rare e riconoscibili immagini diventano elementi sacri per pensare e fantasticare, abbandonandosi alla possibilità di stabilire connessioni.

L’atto creativo sembra perennemente in bilico tra memoria antica e storia presente. Una storia felice che trasuda energia, pienezza, calore, una sorta di joie de vivre, come si diceva per Renoir o per Matisse. E poi c’è il mare. Presente, potente, salvifico, che impetuoso sembra volerti travolgere e che invece si fa attraversare, diventando spazio vitale, acqua attorno alla sua terra d’origine. Se socchiudi gli occhi, ti sembra di poterne ascoltare il rumore, lo sciabordio sull’arenile, come una musica o come una vertigine che ti travolge e ti ipnotizza, attirandoti al centro dell’opera.

Il percorso espositivo ideato per la galleria Up Urban Prospective Factory a Roma, dal 25 novembre al 1 dicembre 2023, vuole dunque condurci per mano nelle viscere di questo fantastico mondo, conquistarci come fossimo dentro una fragorosa polifonia visiva.

L’obiettivo della mostra è di creare dirette congiunzioni tra le opere, in modo da far sì che lo spettatore si metta in relazione con spazi interiori che consentano una immersione nella dimensione estetica ed emotiva di ciascuno. E questo certamente avviene attraverso una grammatica pittorica malleabile e giustapposta, in grado anche di assumere forme incoerenti. Si tratta di una sorta di scrittura automatica e famelica che prova a fagocitare ogni tipo di figura, purché resti in relazione con il mondo circostante.

Non parliamo di pittura da intrattenimento, ma di pittura pura che ripropone una serie pressoché infinita di temi e figure, investigando il rapporto tra superfici esterne ed interne, in un originalissimo gioco di effetti cromatici e visivi. L’artista scarnifica la forma a favore dell’impetuosità del colore, oltre i confini della tela stessa, nel tentativo di denudare l’impalcatura che la sorregge.

Il risultato è sorprendente, diverso e nuovo tutte le volte, ma sempre intento a valorizzare quel genius loci soprannaturale, che si aggira malandrino tra le opere, entra ed esce mai pago e sembra volerci ricordare che non ci si deve liberare delle proprie origini, ma piuttosto lottare per mantenerle, riscoprendo quel legame tra identità e manualità che rende così feconda la produzione artistica di Bice Perrini.

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Classe 1985, origini fiorentine, capelli neri, sguardo profondo, Simafra, nome d’arte, stimolato dai genitori, comincia a disegnare da bambino nel tentativo di esprimere le proprie emozioni e si avvicina all’uso del colore con grande sensibilità e dimestichezza.

Attorno ai sedici anni inizia a dipingere seriamente, a studiare disegno dal vero e si mette a bottega di decorazione e restauro. A diciannove già partecipa a diverse mostre collettive. Lavora duramente per galleristi e collezionisti privati in giro per il mondo: Londra nel 2013 (e per sei anni presso la Maddox Gallery), Roma, Beirut, Los Angeles. Arriva la notorietà, “momenti dorati” li definirà poi, che portano, come per un effetto domino, ad una inaspettata popolarità. “Tutto era estremamente abbondante”, racconta di quegli anni e proprio lì, in quell’illusorio apice di fama, Riccardo si domanda se smettere di dipingere.

Alla fine del 2019, alle porte di quella pandemia mondiale che ha alterato per lungo tempo le nostre vite, toglie le sue opere dalle gallerie, si ritira nella natura, tra le montagne dell’Appennino tosco-romagnolo e si chiude in isolamento.

Paura, inaridimento, perdita degli obiettivi, blocco creativo? Non sa dirlo neanche oggi con precisione, ma certamente racconta di avere sentito forte la necessità di ripensare la pittura, il suo più intimo significato, la sua connessione con la propria esistenza. E in fondo, di cosa è costituita la vera natura del pittore, se non di partecipazione e immedesimazione profonda con la materia della propria opera? Un’opera che non riguarda solo tela e colori, ma l’atto creativo in generale, la sua durata nel tempo lungo dell’infinito, la sua influenza e risonanza simbolica nella spiritualità del quotidiano.

Simafra è un pittore materico, e del resto la pittura è questione di materia, e gestuale. L’azione che egli compie per stendere il colore è un vero e proprio atto di restituzione, sulla tela, di ciò che il mondo ha proiettato nel suo animo.

Se passi la mano sulla superficie di un dipinto ti accorgi che qualcosa sta succedendo e allora devi provare a guardare più da vicino, a metterci il naso dentro. A tratti lo spessore aumenta, il colore si coagula, la materia urla disperata in attesa di essere domata. Ma subito dopo, diventa inesistente, sottile, diafana, trasparente, sembra scolare, quasi volesse mostrare lo scheletro di trama e ordito che la sostiene. Certo è una pittura genuina, oggi più consapevole di ieri, ma non mira al solo riconoscimento formale, vive e combatte la sua battaglia quotidiana per divenire autentica, senza sottrarsi al dolore e ai lati oscuri della ricerca continua e della sperimentazione ossessiva.

E il fruitore, vittima di un sortilegio o di una inspiegabile magia, viene risucchiato nelle viscere di quel lavoro certosino del pennello che, se qualche volta lascia tracce veloci e sicure sulla tela, più spesso ricorda l’antica origine del lavoro fiorentino delle botteghe cinquecentesche. I tratti sottili in oro o in bianco sembrano tessere preziosi tessuti che richiamano l’Oriente e diventano catalizzatori di simboli evocati.

Ho guardato a lungo le opere di Riccardo. Quelle di ieri e quelle di oggi. E sento forte questo passaggio, questa trasformazione. La lontananza dalle gallerie, dalle esposizioni, dai vernissage ha prodotto come effetto immediato una ricerca di spontaneità e semplicità che, se prima ha trovato appagamento in una vita lontano dai riflettori (ha allevato bestiame e fatto l’apicoltore), ha poi rivelato ancora più prepotente la sua vera natura.

Per un artista esiste un rapporto quasi mimetico tra il mondo ed i segni che lo descrivono, un rapporto di sangue e carne che va oltre il tangibile. Mondi lontani, paradisi perduti, realtà distopiche, scenari apocalittici. Il nuovo Simafra, un po’ Emilio Vedova, un po’ Hieronymus Bosch, somiglia ad uno sciamano e le sue ultime opere hanno qualcosa di magico e ancestrale. Ne riconosco i simboli, il mantra dei colori, le forme esoteriche. E intravedo in questa pittura realtà arcane e misteriose che non si percepiscono solo con gli occhi, ma con i sensi e con intuizione poetica. Il colore disegna immagini che non è necessario decodificare per comprendere che il sistema linguistico è parzialmente insufficiente a restituire la varietà di questo processo creativo.

https://simafra.com/

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