I partecipanti, invitati a lavorare sul posto, hanno esplorato il paesaggio da varie prospettive e, attraverso tecniche diverse, dall’espressionismo all’astrattismo, dal realismo al concettuale, hanno interiorizzato la tematica proposta fino a darne diverse interpretazioni, talvolta con forti valenze simboliche.

Il sentimento del luogo ha consentito la creazione di una varietà di invenzioni, di ricostruzioni, di vedute ideate o vagheggiate, in cui gli artisti hanno sollecitato l’immaginario personale per cogliere dal vero quanto serve a trasferire l’immagine reale nel personale sentire interiore. La pittura dunque, e non solo, come strumento per valorizzare un territorio rappresentandone i paesaggi, la cultura e la storia, rafforzando il senso di appartenenza e l’identità di una comunità, celebrata con rappresentazioni visive significative. 

Il vincitore, il maestro Pasquale Verdone, artista di lungo corso, si piazza al primo posto con una grande tela di cézanniana memoria, dalla pennellata veloce e sicura e dai mille colori.

Anima dell’iniziativa è Silvano Annibali che con cura e determinazione segue e promuove l’evento dal suo nascere e che anche quest’anno, guidato dalla magia del luogo, è riuscito a compiere un piccolo miracolo, portando sotto i riflettori una collettività semplice ma vivace, che è riuscita a fare affezionare all’arte anche i più piccini.

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Pino Volpino non è nuovo a questo tipo di collaborazioni con realtà impegnate nel sociale. I suoi lavori, infatti, affrontano tematiche comunitarie ed interpersonali con un approccio intimista. Ha dipinto su carta, legno, tela, materiali di riciclo a cui è stata concessa una seconda vita e sempre, attraverso un bestiario attonito e indifeso, ha esplorato temi profondi e simbolici, rendendo il mondo animale un soggetto ricco di significato e ispirazione. Ma Giuseppe è anche un grande sperimentatore e dunque sta provando negli ultimi anni ad evolversi oltre il riconoscibile, trasformando in simboli distintivi del proprio lessico una serie di segni che riassumono, sintetizzandola, la sua poetica.

Dunque, presso il Museo Crocetti abbiamo assistito ad una interessante celebrazione di queste rappresentazioni iconiche: numerose immagini-simbolo, che solo in apparenza si somigliano, si svolgevano in lunghezza sulle pareti, seguendo un ritmo visivo che dava energia a ciascuna composizione. In una illusoria ripetizione, mai casuale, ottenuta grazie all’utilizzo di fogli di acetato, piccole icone caratterizzate sempre da occhi bianchi, grandi e spalancati si rincorrevano senza sosta, ognuna diversa, espressiva, quasi ad urlare, mute, la loro presenza.

Ci si inganna se si pensa che fossero tutte uguali: il simbolismo ripetuto di Pino Volpino è solo un espediente utilizzato dall’artista per rafforzare un messaggio, un tema o un’idea, creando un senso di continuità e riconoscibilità del proprio linguaggio espressivo, grazie anche ad un uso del colore piuttosto accattivante, ma che non cede mai alla retorica dell’estetica. Gli strati sovrapposti di tempere o acrilici contribuiscono, infatti, a creare un ritmo visivo e a sottolineare l’importanza di certi simboli all’interno dell’opera stessa. I rosa, i gialli, i celesti, ma pure i rossi ed i neri ed i bianchi piatti e profondi, diventano infine parte integrante di un vocabolario tutto personale che cerca il suo spazio vitale nell’universo.

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Nata a New York e residente a Roma, Claudia viaggia spesso in giro per il mondo e non solo per visitare località sconosciute, ma per conoscerne ed assorbirne usi e tradizioni.

Difficile classificarla con una sola etichetta: artista, designer, grafica, imprenditrice. Spinta da una buona dose di curiosità e sempre pronta a sperimentare, ha attraversato varie fasi artistiche. Dall’idea, al progetto, dallo schizzo al dipinto su tela, dalla carta al plexiglass, dai collage al decoupage, attraverso pixel e acrilici, lavora instancabile su ogni idea capace di “liberarsi” da dentro, indistintamente dalla mente o dal cuore.

Sono andata a trovarla nel suo studio romano, in Prati, un paio di volte e ne ho ricevuto sempre la medesima impressione: un luogo luminoso, sereno, in cui è possibile lasciar scorrere liberamente le proprie emozioni. Mi sono sentita accolta ed ho avuto spesso l’impulso di sedermi davanti alla finestra per elaborare le mie impressioni. Ma non ho mai fatto in tempo, tutte le volte il mio sguardo curioso si è posato su quei lavori circolari, su tela e su carta, sistemati sotto il tavolo di vetro o appesi alle pareti. Studi di colore, monogrammi astratti che rivelano antiche passioni, come l’amore per l’arte orientale e la pittura giapponese. Colori vividi e ritagli di giornale si affastellano in ogni angolo. Sembra tutto in ordine, ma in realtà tutto si muove, nella calma e nel silenzio.

Claudia Palmira organizza il suo lavoro in ogni fase creativa e lo segue passo passo: dal primitivo progetto alla realizzazione compiuta. Mi hanno molto colpito le sue ultime creazioni, realizzate su seta. Tessuti preziosi con stampe originali pendono da una parete a destra dell’ingresso, distinti per collezione: Opera, Segni Zodiacali, Rococò ed altre. Presto li vedremo nei bookshop dei musei, a cominciare da quello del Metropolitan di New York.

Palmira fonde creatività ed innovazione con grande audacia, sperimenta ogni campo plausibile ed utilizza tutti i materiali a disposizione, ma con i piedi ben saldi al terreno intravede i possibili utilizzi della sua arte nel quotidiano. Crea insomma una una sorta di Arts and Crafts che, come allora, si prefigge di conciliare l’Arte più aulica con la produzione artigianale e/o industriale, finalizzata all’ingresso della bellezza negli ambienti di vita quotidiana.

Lo stretto connubio tra tecnologia ed arte, nel senso più ampio del termine, mi ha sempre profondamente affascinato e sembra che Claudia ne abbia una profonda vocazione, tanto sapientemente riesce a mescolare i linguaggi e addirittura a condividerli in laboratori per adulti, cui insegna infatti come riscattare la personale interiorità per esprimersi al meglio e vivere la propria unicità nel perenne fluire degli eventi.

https://claudiapalmira.com/it/

https://newyorkerinrome.com/

https://byclu.com/it/

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Organizzato dal direttore del Museo Maria Giuseppina Di Monte e l’architetto Maddalena Paolillo, l’incontro è stato dedicato alla disabilità visiva con la partecipazione della Dott.ssa Maria Poscolieri (Associazione di Volontariato Museum – ODV), della Prof.ssa e scultrice Lucilla D’Antilio, della Signora Antonietta Barbonetti, dell’artista Lucia Sforza e della poetessa Laura Anfuso.

L’evento si è aperto con la presentazione del libro d’artista dal titolo Se Uomo cura. Si tratta di un libro intimo, ma che si scompagina e offre una molteplicità di metafore, permettendo al lettore di immergersi in una vibrante pienezza sinestetica. Antonietta Barbonetti, Lucia Sforza e Laura Anfuso hanno deciso di proporlo per la prima volta in questa occasione. Parleranno della loro collaborazione, dell’opera nata dall’incontro della ricerca sul tatto di Laura Anfuso con quella che Lucia Sforza ha condotto sulle membrane di luce lavorando insieme ad Antonietta Barbonetti.

Scopo dell’incontro è stato quello di sollecitare una riflessione sulla cura del tatto per tutti, sull’importanza di riscoprire questo senso troppo spesso mortificato e trascurato e godere dell’Arte spostando lo sguardo, per soffermarsi con consapevolezza sulla complessità della relazione e sul valore irrinunciabile di un dialogo costante con la disabilità, in un ascolto profondo e rispettoso, un confronto aperto.

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Non mi intendo di cucina e odio passare il tempo tra i fornelli, ma sono una golosa senza speranze, una esploratrice onnivora ed ormai, con l’età, anche una discreta conoscitrice di locali e ristoranti in cui andare ad espletare una delle funzioni essenziali per gli esseri umani, mangiare. Oltretutto, sono pure indegna figlia e nipote di due grandissime cuoche, mamma e nonna, che avrebbero fatto la loro fortuna economica se si fossero aperte, cinquant’anni fa, un bel ristorante in Puglia, in riva al mare. Ma al tempo mancava completamente quel coraggio e quello spirito imprenditoriale che invece animano, con grande entusiasmo, Daniela Gazzini e Cristina Cattaneo, due giovani imprenditrici di successo, che hanno fondato un vero e proprio marchio di garanzia e qualità: Vivi.

E così, nel giro di pochi anni, hanno aperto ben cinque locali a Roma, tutti in location pazzesche, Villa Pamphili, via Decio Filipponi (Roma nord), piazza Navona, via del Tritone e l’ultimo, pochi mesi fa, a piazza Venezia, cuore pulsante della città.

Gli ambienti riservati ed esclusivi, le sale finemente arredate, le proposte gastronomiche varie e ben curate ne fanno una meta desiderabile per chi cerca intimità, per chi vuole lavorare seduto a un tavolino o per chi si ritrova con gli amici e lo spritz in mano.

La scelta culinaria, poi, è vasta, biologica, saporita, sostenibile: tra dolcezze homemade, summer e american brunch, healthy bowls, paste gluten free, hummus, pinsa e hamburger c’è davvero l’imbarazzo della scelta e le nostre amiche sono pronte a soddisfare i palati più raffinati.

Cristina e Daniela, che ti accolgono sempre col sorriso sulle labbra ed un entusiasmo contagioso, sono anche molto impegnate nella promozione di uno stile di vita sano ed equilibrato che abbia di conseguenza un impatto positivo sull’ambiente e sulla società, combattendo lo spreco alimentare e supportando con fiducia enti e associazioni non profit.

L’eccellente cucina, curata fin nei minimi dettagli, gli ingredienti naturali e ricercati rendono i piatti di Vivi unici, non solo buoni da gustare, ma pure belli da vedere e questo aiuta ad intraprendere quel viaggio sensoriale che tutti ci dovremmo concedere almeno una volta al giorno, perché, come dice un noto proverbio cinese, “Mangiare è uno dei quattro scopi della vita… quali siano gli altri tre, nessuno lo ha mai saputo!”

Insomma amici, se siete a Roma o passate per la Capitale, non perdete l’occasione di entrare da Vivi.

Se esiste un luogo del cuore, allora io ho trovato il mio!..

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A partecipare, infatti, alla 74esima edizione della mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia, quest’anno c’era pure un documento inedito ed incredibile che, come scrive Elisa Bondavalli, in una sorta di testamento per immagini, ci racconta della più sofisticate delle scuole, erroneamente ritratta solo come esperimento di campagna, ma in realtà avamposto della didattica più all’avanguardia. E in effetti, Barbiana ‘65, coprodotto dalla Felix Film con Istituto Luce Cinecittà, nasce dal recupero del materiale girato da Angelo D’Alessandro nel dicembre 1965 a Barbiana e ritrovato dal figlio Alessandro dopo la morte del padre. Ed è l’unico documento esistente con Don Milani in scena. È lo stesso Don Lorenzo che narra, che parla, che spiega. Alessandro, fotografo, regista e autore di numerosi programmi per la Rai, sceneggiatore e regista di cortometraggi, ci racconta come sono andate le cose: “Solo dopo la scomparsa di mio padre, dopo una lunga malattia che ha lentamente cancellato memorie di una vita e lasciato senza risposte domande che avrei voluto fare con più evidenza e forza, ho cominciato a mettere ordine nel suo archivio e, tra altri interessanti documenti, ho ritrovato il materiale in pellicola originale in 16 mm. La visione del materiale, rivelatosi in condizioni eccellenti, e soprattutto delle bobine delle registrazioni audio, mi ha spinto a recuperare informazioni legate a quell’esperienza e a poco a poco l’approfondimento è diventato un impegno che non potevo derogare oltre. 

All’inizio si è trattato di emozioni, ricordi, corrispondenze, ricostruzioni tra il privato e il pubblico, che hanno conquistato man mano uno spazio e un tempo preciso nella mia vita di autore e documentarista a mia volta, finché ho cominciato a prendere coscienza di come riproporre questo materiale e collocarlo nella giusta dimensione mediatica e personale.” Lo straordinario documentario, che non ha la pretesa di aggiungere novità dal punto di vista dei contenuti, è commentato da Don Luigi Ciotti, dall’ex procuratore generale di Firenze Beniamino Deidda e dalla professoressa Adele Corradi, che per tre anni aiutò don Milani a far scuola ai ragazzi.

Su note davvero commoventi, composte per l’occasione dal maestro Fabrizio Mancinelli a Los Angeles, rivive la scuola di Barbiana e la storia personale di un prete schivo e determinato, rigoroso e rivoluzionario che era forse troppo in anticipo sui tempi per essere compreso fino in fondo e si chiude il cerchio che ha tenuto legati per molti anni il padre Angelo ed il figlio Alessandro in un lavoro che li ha visti condividere temi forti come la fede, i diritti umani e la pace.

http://www.succedeoggi.it/2017/09/modello-barbiana/

http://www.repubblica.it/cultura/2017/08/18/news/don_milani_sul_set_della_sua_barbiana-173289415/

http://www.ansa.it/sito/notizie/cultura/cinema/2017/09/02/a-venezia-la-lezione-di-don-milani_2a73de36-971e-483e-af6f-60e4408df1a0.html

http://www.toscanaoggi.it/Cultura-Societa/In-anteprima-a-Venezia-Barbiana-65-cosi-don-Milani-rivive-sullo-schermo

http://www.ilfattoquotidiano.it/2017/09/05/a-venezia-lomaggio-del-cinema-a-don-milani-proiettato-in-anteprima-il-docufilm-barbiana-65/3837623/

http://www.labiennale.org/it/cinema/2017/programma-cinema-2017-accreditati/alessandro-ga-d%E2%80%99alessandro-barbiana-%E2%80%9965-la-lezione-di-don-milani-0

http://it.radiovaticana.va/news/2017/09/01/mostra_del_cinema_di_venezia_docufilm_su_don_milani/1333859

http://www.nonsolocinema.com/barbiana-65-la-lezione-don-milani-alessandro-g-dalessandro.html

https://www.cinemaitaliano.info/news/42949/venezia-74-barbiana–65-la-lezione-di-don.html

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Il lavoro di restauro, durato quindici mesi e finanziato dai Cavalieri di Colombo, è stato eseguito avvalendosi dell’ausilio di numerose indagini scientifiche e diagnostiche preliminari. Sotto numerosi strati di sostanze filmogene sovrammesse, è stata ritrovata una superficie integra al 90%, ancora pienamente leggibile sia nelle complesse stesure pittoriche con legante a tempera, sia nella straordinaria forza plastica del modellato. Durante la pulitura selettiva, alternando sistemi di natura chimico-fisica a sistemi fotomeccanici e/o foto termici di elevata precisione (laser), sono state rimosse 9 stesure per l’incarnato e 15 per il perizoma, tra ridipinture, vernici e protettivi stesi nei secoli per manutenere l’opera. La presentazione estetica della scultura ha sostanzialmente privilegiato la ricerca di un equilibrio generale della superficie (3,25 mq, per uno sviluppo complessivo di circa 13 mq) senza adottare alcuna scelta reintegrativa di tipo pittorico, mimetica e riconoscibile, che entrasse in competizione con la policromia originale. Grazie ad una serie di puntuali abbassamenti di tono della preparazione, mantenuta a vista, si è risolto anche il problema della presenza di alcune micro lacune ed abrasioni diffuse, nell’intento di rispettare sempre l’autenticità del prezioso manufatto.  I rifacimenti storicizzati, come ad esempio le mani, sono stati mantenuti adattandoli ai risultati del nuovo contesto cromatico, mentre quelli dei raccordi anatomici tra braccia e busto sono stati rimodellati e resi riconoscibili, nella loro estensione e conformazione, da sottili incisioni perimetrali. In occasione dei lavori, eseguiti dai restauratori Lorenza D’Alessandro e Giorgio Capriotti, sotto la direzione di Pietro Zander, Responsabile Necropoli Vaticana e Antichità Classiche, è stata anche realizzata una nuova croce, con la forma ispirata a quella medievale, ovvero con i bracci che terminano in forma semicircolare. Il legno, proveniente da un secolare albero di noce cresciuto nei pressi del santuario di Montemisio, in provincia di Ascoli, e stagionato per oltre 30 anni, è stato donato da un benefattore e lavorato nel laboratorio di falegnameria della Fabbrica di S. Pietro. Il Crocifisso, che pesa 72 chili, ha dimensioni maggiori del reale: misura 2,15 metri di altezza e l’apertura delle braccia è di 1,96 metri. Definitivamente collocato nella Cappella del Santissimo Sacramento, nella sua ritrovata integrità, il Crocifisso ligneo si troverà in un ambiente sorvegliato, accessibile e con idonei e stabili valori di temperatura e umidità relativa.

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Non sono stata delusa: Triumphs and Laments rappresenta davvero il progetto site specific più ambizioso realizzato dall’artista sudafricano fino ad oggi. Per circa 550 metri, come in un lungo fregio, le glorie e le miserie della città Eterna si svolgono sotto gli occhi dei visitatori.

Più di ottanta figure, alte fino dieci metri, celebrano le grandi vittorie e le terribili sconfitte che hanno caratterizzato la storia di Roma, in una sorta di balletto che termina in piazza Tevere, come denominata dal suo stesso autore. Assistiamo alla morte di Remo per mano di Romolo, a Marcello Mastroianni che bacia Anita Ekberg in una improbabile doccia-fontana, all’effigie di Garibaldi, da San Pietro al Ghetto Ebraico, sino alle tragiche tappe degli assassinii di Aldo Moro e Pier Paolo Pasolini. 

La tecnica esecutiva proposta ricorda quella michelangiolesca del “levare” che, mutuata dagli esperimenti di Kristin Jones con la Lupa nel 2009, crea i bianchi dal nero, pulendo con getti d’acqua le superfici sporche, attraverso la pulitura selettiva della patina biologica che riveste il travertino dei muraglioni. L’effetto è sorprendente. Contravvenendo all’idea imperante che l’opera d’arte vive per sempre, William Kentridge scrive una storia destinata a scomparire. Alla prossima piena del Tevere, e comunque tra pochi anni, la transitorietà dell’opera avrà smesso di essere tale, perché si sa, il tempo, imperturbabile, corrode i giorni e pure le cose.

https://it.wikipedia.org/wiki/William_Kentridge

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